《美术欣赏课怎么上-教学设计与实施案例分析》
仇路路
李力加教授的《美术欣赏课怎么上》一书，以鲜活的案例和深刻的思考，揭开了美术欣赏课的“神秘面纱”。在很多人看来，美术欣赏不过是“看画说话”，但李教授却用扎实的理论与实践告诉我们：欣赏课是培养学生审美判断、文化理解的核心阵地，是美术教育“立德树人”的关键载体。通读全书，我对美术欣赏课的本质、方法与价值有了全新的认识，也为日常教学找到了清晰的路径。
一、美术欣赏课不是“看图识字”，而是“文化解码”
李教授在书中开篇就直指痛点：当下很多欣赏课沦为“知识灌输”，教师照着课本念作者、年代、流派，学生被动记笔记，最终将“欣赏”变成了“背诵”。 李教授认为，真正的美术欣赏课，是引导学生“透过作品看文化”。它不是简单的“审美愉悦”，而是让学生学会“解码”——从线条、色彩、构图等视觉元素入手，理解作品背后的创作语境、艺术家的情感与时代的精神。比如书中提到，欣赏徐悲鸿的《奔马图》，不能只说“画得像”，而要引导学生观察马的肌肉线条如何传递“奋进”的力量，联系抗战背景理解作品的精神内核。这种“元素—情感—文化”的递进式解读，让欣赏课从“看表象”走向“悟本质”，真正实现“图像识读”与“文化理解”的核心素养落地。
二、从“讲授”到“引导”，构建多元鉴赏路径
关于美术鉴赏的教学方法，李教授在书中提出了“拒绝套路，回归真实”的原则。他反对“作者生平—时代背景—艺术特色—意义影响”的固定流程，认为这种模式会扼杀学生的独立思考。结合书中案例，我总结出几点实用的方法要点：
一是“问题链驱动”。李教授主张用“真问题”激活思维，而非“是不是”“好不好”的封闭提问。比如欣赏梵高的《星月夜》，可以问“旋转的线条让你想到什么？这种笔法和画家的心情有关吗？”“如果用一种声音形容这幅画，会是什么？”这些问题没有标准答案，却能引导学生调动感官体验，建立与作品的“情感联结”。书中提到的“问题树”模型——从核心问题发散出分支问题，再聚焦到文化本质，让我明白：好的问题是欣赏课的“指南针”。
二是“情境重构”。很多学生对古代艺术品感到陌生，是因为缺乏对创作语境的理解。李教授建议通过“时空穿越”式的情境设计，让学生“走进”作品。例如欣赏《韩熙载夜宴图》，可以让学生扮演画中人物，推测他们的身份与心情；结合南唐的历史背景，思考画家为何要“偷偷”记录这场夜宴。这种情境不仅让作品“活”起来，更让学生理解：任何艺术品都是时代的“镜子”。
三是“跨界联结”。美术作品从来不是孤立的，它与音乐、文学、历史等学科紧密相连。书中提到一个案例：欣赏齐白石的《墨虾》时，教师播放琵琶曲《春江花月夜》，让学生感受“墨色的韵律”；再引入老舍给齐白石出的“命题画”故事，理解“画中有诗”的中国美学。这种跨界融合，让欣赏课从“单一视觉”变成“多感官体验”，也让学生体会到文化的整体性。
三、让学生站在课堂中央，成为鉴赏的“主角”
李教授在书中反复强调：“欣赏课的主角是学生，不是教师，更不是作品。”这一点彻底颠覆了我的教学观念。以往我总担心学生“看不懂”，习惯用自己的解读代替学生的思考，结果课堂变成了“一言堂”，学生的眼神越来越黯淡。书中提出“倾听学生的‘原生态解读’”理念，让我深受震撼。李教授记录了一个案例：在欣赏毕加索的《格尔尼卡》时，有学生说“这画乱糟糟的，像打翻了颜料盒”，教师没有否定，而是追问“哪里让你觉得乱？这种‘乱’让你想到什么场景？”最终学生联系到“战争的混乱与痛苦”，这种从“不懂”到“理解”的过程，正是鉴赏能力生长的轨迹。这让我明白：教师要做的不是“给出答案”，而是“保护疑问”，让学生敢于用自己的语言表达感受。
为了让学生成为主体，李教授建议构建“对话式课堂”。比如组织“小组艺术法庭”，让学生分成“支持派”和“反对派”，就“这幅作品是否有价值”展开辩论；或者开展“我是策展人”活动，让学生自主选择作品、撰写标签、布置展厅。这些活动中，学生不再是被动的“听众”，而是主动的“研究者”，他们的审美判断在实践中自然生长。
更重要的是，李教授提醒我们要“尊重差异”。每个学生的生活经验、兴趣点不同，对作品的解读必然多样。面对学生“离经叛道”的想法，教师不应急于纠正，而要思考“这个想法背后有什么依据？”这种包容的态度，才能让课堂成为“多元思维的沃土”。
四、从“打分”到“成长”，让评价成为鉴赏的“助推器”
美术鉴赏的评价，一直是教学中的难点。李教授在书中批判了“看学生是否记住艺术家生平”的传统评价方式，提出“过程性评价”的理念——评价的核心不是“结果”，而是学生鉴赏能力的“生长轨迹”。书中提到的“三维评价标准”让我深受启发：一是“感受力”，看学生是否能调动感官体验作品（如“能否用词语描述色彩带来的情绪”）；二是“思考力”，看学生是否能联系文化背景解读作品（如“能否说出这幅画与时代的关系”）；三是“表达力”，看学生是否能清晰传递自己的观点（如“能否用理由支持自己的判断”）。这种评价跳出了“标准答案”的桎梏，关注的是学生的“素养发展”。
五、从“课本”到“生活”，让鉴赏课落地生根
书中的案例是最打动我的部分，它们像一面镜子，照见了日常教学的不足，也指明了改进的方向。
比如“民间剪纸欣赏课”案例中，李教授没有让学生直接临摹，而是先带学生采访社区的剪纸艺人，听他们讲述“剪喜鹊登梅是为了祝福新人”“剪福字要倒着贴的寓意”。学生在与艺人的对话中，理解了剪纸不是“简单的图案”，而是“生活的祝福”。随后的课堂上，学生自发地将自己的生活故事融入剪纸创作，有的剪“奶奶做饭的场景”，有的剪“弟弟过生日的画面”。这个案例让我明白：欣赏课不能只停留在“课本里的艺术品”，要连接生活、扎根文化，才能让学生真正“走进艺术”。
另一个“城市雕塑欣赏”案例也很有启发。教师没有局限于教材中的经典雕塑，而是带学生走出校园，观察校门口的雕塑、公园的纪念碑、商场的装饰。学生们发现：有的雕塑让人感到“温暖”，因为它的曲线像拥抱；有的雕塑让人感到“严肃”，因为它用了坚硬的金属和垂直的线条。在讨论“小区该不该放抽象雕塑”时，学生们甚至考虑到“老人可能看不懂，要不要加个说明牌”。这种“从生活中来，到生活中去”的鉴赏，让学生意识到：艺术就在身边，审美判断与生活息息相关。
五、结语
合上书页，李力加教授的话语仍在耳边回响：“美术欣赏课的终极目标，是让学生在纷繁的视觉世界中，找到自己的审美坐标，成为有文化、有温度的人。”这本书不仅教会了我“怎么上欣赏课”，更让我明白：欣赏课的本质是“育人”——它培养的不是“艺术评论家”，而是懂得用审美眼光看待世界、用文化视角理解生活的“完整的人”。
作为美术教师，我们或许无法让每个学生都成为艺术家，但可以通过欣赏课，为他们打开一扇窗，让他们在梵高的星空下感受生命的热烈，在《清明上河图》中触摸历史的温度，在民间剪纸里体会生活的美好。这，或许就是李教授笔下“美术欣赏课”的真正意义。